Categoría: Entretenimiento

“Rakata” de Wisin y Yandel marcó un momento crucial en la evolución del reggaetón en su primer boom internacional a mediados de la década de 2000. Escrita por Francisco Saldaña, Josías de la Cruz, Wisin y Yandel, y producida por Nely, su magnética sinergia inyectó una energía sin igual al género. “Rakata” no solo fue un éxito, sino una revolución sonora. Su contagioso ritmo bailable, combinado con el dinamismo del dúo, impulsó la canción más allá de las listas latinas, entrando en el codiciado Billboard Hot 100 y alcanzando el No. 85. Fue una de las primeras muestras del atractivo universal del reggaetón, demostrando que el género podía resonar entre públicos diversos. — I.R.

No sé si serán las más de 50 veces que la palabra “azul” se repite en esta canción, la maravillosa técnica vocal de Cristian Castro o los emocionantes coros y solos de guitarra, pero más de dos décadas después, “Azul” se ha quedado en nuestra cabeza, poniendo a cantar a todos cada vez que suena en una fiesta o karaoke. Escrita por Gustavo Santander y Kike Santander y producida por Kike Santander, Andrés Munera y Fernando “Toby” Tobón, la canción fue lanzada en 2021 como parte del álbum de Castro del mismo título y rápidamente se convirtió en un himno de verano. Le dio al cantante mexicano su quinto No. 1 en la lista Hot Latin Songs, que encabezó durante nueve semanas entre junio y agosto de ese año. — S.R.A.

Desde los cautivadores ritmos de alt-cumbia-urbano de Visitante hasta las inquebrantables barras de rap de Residente, este gran éxito de 2005 revolucionó el panorama del reggaetón en la década de 2000. El alejamiento de Calle 13 del hedonismo predominante en la música urbana de la época marcó un cambio sísmico en la trayectoria del género. Rebosante de desenfreno, humor e ingeniosas ocurrencias, “Atrévete-te-te” se erigió en una obra maestra que desafiaba el género y rompía las normas tradicionales del reggaetón. La canción entró en varias listas de Billboard, y el video que la acompañaba, con una estética tan disruptiva como su música, le valió al dúo el Latin Grammy al mejor video musical versión corta. — I.R.

Escrita por el gran Franco De Vita, “Y tú te vas” se convirtió en el himno definitivo de desamor gracias a una letra agonizante que cobra vida con la emotiva entrega de Chayanne, inyectando patetismo en cada verso. La canción es desgarradora, por decir lo menos, con Chayanne cantando vívidamente sobre la vida sin ese gran amor. “Y tú te vas” le dio a la estrella puertorriqueña su sexto No. 1 en la lista Hot Latin Songs de Billboard, donde pasó siete semanas en la cima para convertirse en su liderazgo más extenso.  — G.F.

Antes de convertirse en un cristiano renacido, Farruko compuso el himno del verano de 2021 “Pepas”, una guaracha provocativa que habla de prenderse a toda máquina en la pista de baile. Armado con hipnóticos riffs de trompeta y ritmos de EDM (cortesía de IAmChino, Sharo Towers, K4G, Ghetto y otros), el tema resonó en festivales mundiales y rincones urbanos por igual, convirtiéndose en un éxito mundial y no solo de música urbana. La canción, que le dio a Farruko su primer No. 1 en la lista Hot Latin Songs, demostró la versatilidad del artista, pasando sin problema entre canturreos melifluos y toastings al estilo dancehall. Con ese ritmo contagioso, el puertorriqueño elevó la guaracha a alturas sin precedentes, afirmando su estatus como uno de los vocalistas más polifacéticos del panorama urbano tropical. — I.R.

Desde su debut en 2013, “Propuesta indecente” de Romeo Santos sigue siendo una fuerza a tener en cuenta. El primer sencillo de su Fórmula, Vol. 2, que también incluye “Odio” con Drake, “Propuesta” ofrece una letra seductora sobre “una aventura [que] es más divertida si huele a peligro”. Combinando elegantemente la bachata con el tango, “Propuesta” llevó el género dominicano en nuevas direcciones, internacionalizándolo aún más y consolidando el estatus de Santos como un artista global que cantaba música local. La canción le valió a Santos su quinto No. 1 en la lista Hot Latin Songs y pasó 14 semanas en el No. 1 en la lista Tropical Airplay entre 2013 y 2014. Además, el sensual tema hizo historia en 2015 como el primero en pasar 100 semanas en Hot Latin Songs. El video musical, protagonizado por la actriz mexicana Eiza González como el interés amoroso de Santos, se convirtió en apenas el segundo video de un artista latino en alcanzar 1.000 millones de vistas en YouTube, después de “Bailando” de Enrique Iglesias con Gente de Zona y Descemer Bueno. — J.R.

Nicky Jam tuvo un regreso espectacular y perdurable — luego que su prometedora carrera se descarrilara una década atrás debido al abuso de drogas y alcohol — al lanzar “El perdón” con Enrique Iglesias. Escrita por Jam, Iglesias, Cristhian Mena y Juan Diego Medina Vélez, y producida por Carlos Paucar, Cristhian Mena y Jorge Fonseca, la canción marcó la primera gran colaboración entre reggatón y pop, y le dio al artista puertorriqueño su primer No. 1 en Hot Latin Songs a sus 35 años. Pasó unas impresionantes 30 semanas en la cima de la lista, en ese entonces la segunda mayor cantidad, solo detrás de “Bailando” de Iglesias. “Fue la canción más importante de mi carrera y la que me trajo reconocimiento internacional en lugares que nunca soñé que alcanzaría”, dijo Jam a Billboard en 2019. También ganó el Latin Grammy a la mejor interpretación urbana, y su versión bilingüe, “El Perdón (Forgiveness)”, pasó 30 semanas en el Billboard Hot 100.  — S.R.A.

Una oda a la resiliencia y a disfrutar al máximo de la vida, “Vivir mi vida” de Marc Anthony surgió en 2013 como un himno tropical que sigue sonando tan vibrante como siempre. La versión de “C’est la vie” de Khaled, impulsada por un irresistible ritmo de salsa y sus embriagadores gemidos, se convirtió en una sensación mundial. Al alcanzar el puesto No. 92 en el Hot 100 y dominar Hot Latin Songs durante 17 semanas en el No. 1, “Vivir mi vida” trasciende el mero éxito en los charts. Su perdurable popularidad vive en su energía edificante, lo que lo convierte en un elemento de celebración que no solo demuestra la destreza vocal del neoyorquino de origen puertorriqueño sino que también reafirma el poder universal de la salsa. — I.R.

“Provenza” de Karol G rápidamente pasó de canción del verano a una de las mejores de su catálogo de éxitos a un elemento básico de la música latina. Antes de “Provenza”, Karol G se había establecido como una fuerza líder en lo urbano con contundentes canciones femeninas sobre ser toda una jefa, como “El Makinon” y “Bichota”, impulsadas por los tradicionales tambores de reggaetón. Para “Provenza”, dio todo un giro. Con un tipo diferente de himno femenino, ambientado sobre un melodioso ritmo de calipso, “Provenza” es melancólico, gentil y dulce, y le inyecta una dosis de confianza a cualquier chica que busque reavivar un amor. El impacto de la canción fue fascinante y le permitió a Karol G reemplazarse a sí misma en el No. 1 de la lista Hot Latin Songs el 14 de mayo de 2022, una hazaña nunca antes lograda por una artista femenina. — G.F.

Durante más de seis décadas, el lema de la revolución cubana, escrito por Fidel Castro, fue “Patria o Muerte”. En 2022, una canción puso patas arriba ese lema de vida o muerte. “Patria y Vida” fue escrita por un grupo de estrellas y artistas en su mayoría cubanos que residen dentro y fuera de la isla (los artistas en el tema además de la española Beatriz Luengo y Yadam González), como una reprimenda directa al gobierno cubano “para mostrar cómo se comporta una dictadura con sus artistas; que si propones un intercambio de ideas, te topas con un muro”, dijo Romero, el creador del tema. Comenzando como una trova evocadora y nostálgica sobre guitarra acústica, “Patria y Vida” va incrementando poco a poco la intensidad, rabia y dolor hasta llegar a gritos de “¡Se acabó!” Un himno cubano no oficial (aunque oficial para muchos cubanos exiliados), “Patria y Vida” es la canción latina políticamente más influyente de la última década. — LEILA COBO

Escrita por los argentinos Coti Sorokin, Cachorro López y Diego Torres, la inmortal “Color esperanza”, con su letra optimista (“Saber que se puede, creer que se pueda”) ha trascendido generaciones desde su lanzamiento en el 2001. La canción, lanzada en medio de la histórica recesión de Argentina, se convirtió en el segundo himno no oficial del país y propulsó a Torres al reconocimiento internacional. En 2004, la repitió como el gran final de su MTV Unplugged, llevándola a una audiencia aún más amplia. La emotiva nueva versión del 2020 interpretada por más de 30 artistas, incluyendo a Rubén Blades, Reik y Nicky Jam, se convirtió en una poderosa declaración de esperanza frente a la crisis global desencadenada por la pandemia del COVID-19, consolidando aún más su estatus como un éxito atemporal arraigado en el corazón de la gente. — L. Calle

En 2017, J Balvin y Willy William redefinieron el reggaetón contemporáneo con “Mi gente”, infundiéndole un toque sofisticado que lo diferenció del género más atrevido de la década del 2000. La canción, una versión de “Voodoo Song” de William, también fue producida por el DJ francés de ascendencia etíope, y su ritmo cargado de afrobeats y la suave interpretación de Balvin demostraron que la elegancia y lo bailable pueden coexistir. Esta dinámica colaboración fue también uno de los primeros ejemplos de un verdadero éxito mundial que se nutrió de influencias dispares. No solo amplió el atractivo universal del reggaetón, resonando desde las fiestas callejeras hasta los clubes de lujo, sino que también llamó la atención de Beyoncé. Eventualmente, la superestrella estadounidense participó en el remix, cantando en español e inglés, y “Mi gente” ascendió en la lista Billboard Hot 100 hasta un impresionante No. 3. Con la asombrosa cifra de 3.200 millones de reproducciones en YouTube, es un testimonio de la evolución del género y su dominio mundial. — I.R.

Posiblemente la mejor canción latina de 2023, “Ella baila sola” de Eslabon Armado y Peso Pluma no solo hizo historia en los charts, sino que también marcó un antes y un después para la música regional mexicana, llevando el género a la cima de las listas globales de Billboard y marcando hitos sin precedentes para la música mexicana. La coqueta canción sierreña, impulsada por un ritmo festivo listo para la pista de baile, respaldado por trompetas, trombones y charchetas, alcanzó el puesto No. 4 en el Billboard Hot 100, la clasificación más alta para una canción regional mexicana en el recuento. El tema sierreño aprobado por la Generación Z, que también se convirtió en el primer éxito regional mexicano No. 1 en la historia de la lista Hot Latin Songs, se nutre de letras cercanas y típicas sobre dos compas que intentan llamar la atención de una chica en una fiesta.  — G.F.

La eterna reina indiscutible de la salsa hizo exactamente lo que quiso a lo largo de su extraordinaria carrera discográfica, incluso con esta canción explosiva, el sencillo principal y la canción principal de su álbum número 59. Lanzada en 2001, cuando Cruz tenía 76 años, “La negra tiene tumbao” fue revolucionaria tanto por la edad de la cantante, como por su embriagadora mezcla de salsa con reggaetón y rap en el medio, que se convirtió en el modelo — hasta el sol de hoy — para una serie de grabaciones con artistas mucho más jóvenes. El tema también se deleitaba con su exaltación del poder y la belleza negra. Aunque alcanzó el No. 4 en la lista Tropical Airplay, no fue el sencillo más importante de Cruz. Pero para una nueva generación, fue uno de los más revolucionarios. — L.Cobo

“Labios compartidos”, una joya musical de la emblemática banda mexicana Maná, destaca el trabajo conjunto del grupo y su instrumentación en vivo. Maná es el grupo latino de rock con la mayor cantidad de No. 1 en la lista Hot Latin Songs de Billboard, pero “Labios”, de su exitoso álbum Amar es Combatir, fue la más exitosa de todas, pasando ocho semanas en la cima en el 2006, y también entrando al Hot 100 en la era previa al streaming. La voz ronca de Fher Olvera, también autor de la canción, da vida a la desgarradora historia de un tercero atrapado en una relación tóxica. El tema se erige como un testimonio de la impactante resonancia global de Maná a través del tiempo y su capacidad de cautivar oyentes de todos los géneros. — L.Calle

Don Omar estaba a la vanguardia cuando se salió de su zona de confort para lanzar “Danza Kuduro” hace 13 años. Para este éxito de 2010, el astro puertorriqueño de reggaetón recurrió al artista francés Lucenzo para combinar musical y líricamente ritmos contagiosos del mundo: urbano latino, kuduro (un tipo de música de Angola) y lambada brasileña. Rompiendo sin miedo las barreras del género y el idioma, el atractivo global de “Danza Kuduro” también se refleja en su letra sencilla y pegadiza, tanto en español como en portugués, sobre pasar la noche bailando. La canción se convirtió en el éxito No. 1 más prolongado de Don Omar en Hot Latin Songs y Latin Airplay, y permaneció 15 semanas en cada una de estas listas entre 2010 y 2011. — J.R.

“La camisa negra”, el tercer sencillo del tercer álbum de estudio de Juanes, Mi Sangre, ayudó al rockero colombiano a internacionalizar aún más su carrera, superando sus éxitos previos “A Dios le pido” y “Fotografía” con Nelly Furtado y convirtiéndose en un hit en lugares tan remotos como Alemania. En las listas de Billboard, la canción pasó 10 semanas en el No. 1 de Latin Pop Airplay, y ocho en el No. 1 de Hot Latin Songs y Latin Airplay entre marzo y abril de 2004. Escrita por Juanes y producida por Juanes, Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, la pegadiza canción — una fusión de reggae, guasca, pop, rock y música folclórica colombiana de la región de Antioquia — aborda el despecho desde el humor, con versos como “tengo la camisa negra y debajo tengo el difunto”. Juanes se inspiró en la música de Octavio Mesa, “un cantante de música popular campesino que cantaba insultando al patrón en los años 60, más punk y más rebelde que cualquiera”, dice a Billboard Español. “Lo más hermoso es que esta música campesina de mi región terminó siendo lo que me hizo de alguna manera universal”. “La camisa negra” también terminó ganando Canción “Latin Pop” del Año, Masculino, en los Premios Billboard de la Música Latina 2006. — S.R.A.

Impulsado por un ritmo EDM maximalista creado por Luny Tunes, y fortificado con las brutales barras de rap de Daddy Yankee (también escritas por Eddie Avila), “Gasolina” se erige como un himno del reggaetón por excelencia, encarnando el estimulante poder del género. Como uno de los fenómenos globales pioneros del reggaetón, el éxito de club no solo catapultó a Yankee al estrellato internacional, sino que también sirvió como catalizador que introdujo el género puertorriqueño a una audiencia mundial. En 2004, irrumpió en el Hot 100 en el No. 32, manteniéndose durante 20 semanas en la lista. Al año siguiente, “Gasolina” rompió barreras al convertirse en la primera canción de reggaetón en obtener una nominación al Latin Grammy a la grabación del año, un logro sin precedentes que consolidó el lugar del reggaetón en el panorama mundial del pop latino. Ahora, en un momento histórico, “Gasolina” ocupa el lugar que le corresponde en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso estadounidense, forjando su legado como la canción pionera del reggaetón que remodeló el panorama de la música latina. — I.R.

El primer sencillo del álbum crossover de Shakira, Laundry Service de 2001, “Whenever, Wherever” se lanzó simultáneamente en su versión en español, “Suerte”. Una mezcla de sonidos pop, andinos y globales, ayudado por un video musical que destacaba a Shakira la bailarina y saltadora de acantilados, alcanzó el No. 6 en el Hot 100, presentando oficialmente a la joven estrella colombiana ante el mundo. Shakira ya era una estrella en el mundo latino cuando lanzó “Whenever”, y su intensa letra iconoclasta y personal trascendió en su versión en inglés (en esta ocasión, traducida por su amiga Gloria Estefan), que con versos como (“Suerte que mis pechos sean pequeños, y no los confundas con montañas)” sigue grabada de manera indeleble en nuestra conciencia colectiva. Como latinos, ya conocíamos y amábamos a Shakira, pero esta fue la canción que la presentó al resto del mundo. — L. Cobo

¿Quién diría que una banda de chicos podría ser tan conmovedora? La llamada telefónica nocturna del ahora desaparecido Son By Four a su exnovia todavía nos hace llorar cuando el vocalista Ángel López suplica: “Estoy muriendo, muriendo por verte”. Con la voz de López, “A puro dolor” supo incorporar convincentemente un sonido R&B al pop latino, y pasó 22 semanas no consecutivas en el No. 1 de Hot Latin Songs en el 2000, el sencillo latino más grande de ese año. Escrita por el maestro compositor Omar Alfanno y producida por Alejandro Jaén, también se benefició de una versión en inglés (“Purest of Pain”), y más aún, de su versión balada, que mostró la voz de López con un patetismo penetrante. — L.Cobo

No es tarea fácil elegir solo una canción de Juan Gabriel para esta lista, pero es seguro decir que “Abrázame muy fuerte” conmovió a las masas con una letra desgarradora y apasionada que se centra en abrazar a nuestros seres queridos. Un testimonio de la extraordinaria capacidad de Juan Gabriel para crear letras profundamente emotivas que son a la vez personales y cercanas, la canción clásica comienza llena de nostalgia con una entrega delicada, similar a un susurro, respaldada por una solemne melodía de piano y sorprendentes acordes de violín. La melodía solo se construye a medida que avanza la canción, pasando de una balada sencilla a un poderoso evento orquestal que coincide con la urgencia de su letra vívida y solemne: “Abrázame, que el tiempo pasa y él nunca perdona”. Una de las canciones más queridas del amplio catálogo del cantautor mexicano, “Abrázame muy fuerte” pasó nueve semanas en la cima de la lista Hot Latin Songs de Billboard en 2001. — G.F.

Principalmente conocido por sus himnos de rock trabalenguas como “Ingrata” y “Chilanga banda”, la canción seminal “Eres” de Café Tacvba es lo opuesto a la complejidad, tanto en su letra como en su producción musical. Es una declaración de amor sencilla, pero poética (“Eres mi salvación, mi esperanza y mi fe”) que puede evocar una variedad de emociones. Interpretada por Emmanuel del Real, el teclista de la banda, “Eres” es una balada delicada, impulsada por versos asombrosas y notas melancólicas de guitarra eléctrica puntuadas por un ritmo de batería que encuentra a una persona entregándose por completo a un amor etéreo. Un sencillo de su álbum Cuatro Caminos, “Eres” se convirtió con razón en la canción favorita para el primer baile en bodas latinas a principios de la década de 2000. En el camino, este clásico atemporal también llevó a Cafeta a la fama mainstream, logrando que el icónico cuarteto de rock en español obtuviera su primera entrada en la lista de Billboard Latin Pop Airplay en 2004, donde alcanzó el puesto No. 38. — G.F.

Antes de “Despacito” estuvo “Bailando”, el éxito de 2013 de Enrique Iglesias con el cantautor cubano Descemer Bueno y el dúo cubano Gente de Zona. La canción pasó 41 semanas en el No. 1 de la lista Hot Latin Songs, un récord en ese momento. Antes de “Despacito”, “Bailando” abrió la puerta a la posibilidad de mezclar pop, rap y reggaetón, uniendo el pop up-tempo de Iglesias con la vibra de cantautor de Bueno y — el golpe de gracia — los ritmos de reggaetón y las voces distintivas de Gente de Zona. El tema, producido por Carlos Paucar, colaborador de Iglesias desde hace mucho tiempo, sigue siendo irresistible. Con la ayuda de un remix de Sean Paul, ascendió al No. 12 en el Hot 100, y su mezcla de pop y urbano se convirtió en el modelo del sonido que dominó la música latina durante la mayor parte de la década. — L.Cobo

Si hay un antes y un después de la música latina desde el año 2000 ese sería “Despacito”. El éxito de 2017, escrito por Luis Fonsi, Erika Ender y Daddy Yankee, originalmente grabado por Fonsi y Yankee y luego remezclado con Justin Bieber, no solo rompió todos los récords, sino que cambió inequívocamente la forma en que se percibía la música latina y eventualmente cómo se consumía a nivel global en la era del streaming. Lanzada el 13 de enero de 2017 bajo Universal Music Latin, la ahora omnipresente canción, con su instantáneamente pegadizo coro “Des-pa-cito”, explotó casi al instante, alcanzando el No. 1 en Hot Latin Songs solo tres semanas después de su lanzamiento, y manteniéndose en la cima durante un récord de 56 semanas. Cuando Bieber saltó al remix, añadiendo un toque de inglés y un toque de Bieber a la mezcla, llegó a la cima del Hot 100 en un mes, donde permaneció durante 16 asombrosas semanas, empatando con “One Sweet Day” de Mariah Carey & Boyz II Men con el récord de todos los tiempos de semanas en el No. 1 en ese entonces (una marca que desde entonces se rompió).

A nivel mundial, “Despacito” sigue siendo una fuerza de la naturaleza, rompiendo récords de vistas en YouTube; actualmente es el video musical más visto de todos los tiempos. No es solo que ninguna otra canción latina en la historia haya tenido ese nivel de éxito; también es todo lo que vino a su paso. “Despacito” abrió los ojos de la industria a las vastas posibilidades de la música en español o de la música bilingüe con la canción adecuada. Dejó en claro que, en la era del streaming, el idioma ya no era una barrera para los oyentes ávidos de nueva música.

Todo eso, sin embargo, comenzó con la canción en sí, que Fonsi concibió originalmente como una canción pop sensual y romántica con Ender, su amiga y compañero habitual de escritura. Los productores Mauricio Rengifo y Andrés Torres agregaron el ritmo del reggaetón, lo que a su vez llevó a la búsqueda de una voz urbana que pudiera contrastar con la voz de baladista R&B de Fonsi. Nació la mezcla perfecta de urbano y pop. Y luego, por supuesto, el remix con Justin Bieber y su mezcla de culturas. “Ahora, ‘Despacito’ suena normal”, dijo Fonsi el año pasado sobre la mezcla de sonidos que la componen. “Pero si me preguntas hace cuatro años, cuando mezclaba esta cumbia con una guitarra y con un cuatro puertorriqueño; cuando mezclamos a un artista pop con el rey del reggaetón; cuando Justin Bieber hizo un remix… ahora todo suena normal. Pero en aquel entonces no lo era […] Cuando miro hacia atrás, lo que realmente me impacta es el hecho de que abrió una puerta enorme para que el mundo no latino vibrara con la música latina”. — L.Cobo

Pocas canciones positivas son tan enigmáticas como “Me gustas tú”. Creada en solitario por Manu Chao, un cantante francés de ascendencia española, el encanto de la canción reside en su fusión de culturas y géneros, y en su aire bohemio. Sus ritmos kitsch encuentran la intersección entre la tropicâlia, el rock y el roots reggae en un enfoque totalmente nuevo reconocible al instante con el sonido nasal característico de Chao. “Me gustas tú”, lanzada en 2001, formó parte de una ola de artistas alternativos, incluida Julieta Venegas, que querían romper las convenciones del pop latino tras la llamada “explosión latina” de 1999. La canción alcanzó el No. 1 en España e Italia y llegó al No. 27 en la lista Latin Pop Airplay de Billboard. — ISABELA RAYGOZA

La innovadora “Malamente” de 2018 presentó al mundo a Rosalía, una estrella barcelonesa brillante y entonces en ciernes, que acabaría convirtiéndose en una de las experimentalistas flamenco-pop más convincentes de la música latina global. De hecho, este sencillo — perteneciente a su álbum ganador del Latin Grammy El Mar Querer — no solo marcó una ruptura con el discurso imperante y dominante del reggaetón, sino que también trastocó el panorama musical con un sonido poco común, inspirado en la centenaria literatura española. El mundo que la artista evoca en “Malamente” — coproducida por El Guincho y la propia Rosalía — es una bruma fascinante, llena de palmas entrecortadas y su seductor arrullo mientras canta sobre sus sueños, cristales rotos, la luna y las estrellas. La canción se certificó platino en numerosos Brasil, México, Estados Unidos y fue cinco veces platino en su España natal. — I.R.

Alejandro Sanz lleva mucho tiempo buscando darle profundidad y complejidad a la música pop. Lanzada en 2003, “No es lo mismo” muestra su maestría musical. Con versos contrastantes en los que el español filosofa sobre la sociedad, la canción ofrece temas de reflexión en una brillante bandeja de prodigiosos músicos, como Vinnie Colaiuta (batería) y Anthony Jackson (bajo), y la entrega de la inigualable voz de Sanz. Ganadora de los premios Latin Grammy a la canción del año y grabación del año en 2004, “No es lo mismo” también cosechó éxitos en las listas de Billboard, alcanzando el No. 3 el Latin Pop Airplay y el No. 4 de las listas Hot Latin Songs y Latin Airplay en 2003. — LUISA CALLE

Con el primer sencillo de su segundo álbum de estudio, Mis Manos, Camilo dejó claro que su éxito inicial no era un accidente. En “Vida de rico”, una alegre cumbia escrita y producida por Camilo con Edgar Barrera, el cantautor colombiano le ofrece a su amada todo lo que tiene, aunque no sea una fortuna. Con su juego de palabras y su enfoque en la melodía, Camilo logró introducir una nueva versión del pop latino rara vez escuchada antes: juvenil y sencilla, pero también hermosamente elaborada. La canción debutó en septiembre de 2020, en tiempos de pandemia, y llegó al No. 1 de las listas Latin Airplay y Latin Pop Airplay. También entró al top 10 de Hot Latin Songs y figuró en las listas internacionales Billboard Global Excl. U.S. y Billboard Global 200, donde pasó un total de 30 y 24 semanas, respectivamente. Su video musical casero, protagonizado por Camilo, su esposa Evaluna y sus cuñados y amigos, es igual de dulce y también mostró un nuevo lado sencillo y vulnerable del pop. — SIGAL RATNER-ARIAS

Hoy en día, la música sierreña es un estilo popular abrazado por artistas como Natanael Cano, Junior H y Eslabon Armado. Pero fue el fallecido cantante mexicano Ariel Camacho quien popularizó el subgénero regional mexicano con canciones como “Te metiste” hace casi 10 años. Reforzada por sentimentales acordes de requinto y una tuba vibrante, la capacidad de Camacho para transmitir emociones profundas a través de complejos solos de guitarra acústica en “Te metiste” inspiró a toda una nueva generación de artistas en el regional mexicano a aprender a tocar instrumentos. Además de su impacto duradero en el género, este tema profundamente emotivo le dio a Ariel Camacho y Los Plebes su primer No. 1 en la lista Regional Mexican Airplay de Billboard. — GRISELDA FLORES

Con la intención de “proponer una filosofía de vida […] para hacer pensar y bailar a la gente”, como Luis Enrique dijo anteriormente a Billboard, “Yo no sé mañana” (Top Spot Music) se ha convertido en un tema de salsa atemporal. Con una sabia letra (escrita por Jorge Luis Piloto y Jorge Villamizar) sobre vivir el momento, el éxito tropical no solo conservó la salsa romántica del artista nicaragüense sino que también marcó su regreso triunfal después de años de no tener un éxito. También fue un regreso triunfal de la salsa romántica, que cambió el curso de la música tropical en la década de 1990. En 2009, “Yo no sé mañana” alcanzó el No. 6 en la lista Hot Latin Songs (el máximo para Luis Enrique desde “Lo que es vivir” en 1992) y encabezó la lista Tropical Airplay durante 11 semanas (su primer éxito No. 1 desde “Así es la vida” en 1994). El tema le valió al “Príncipe de la Salsa” el Latin Grammy a la mejor canción tropical y el Premio Billboard de la Música Latina a la Canción “Tropical Airplay” del Año. — JESSICA ROIZ

Si bien Bad Bunny ha tenido un desfile aparentemente interminable de éxitos en los últimos cinco años, “Yo perreo sola” abrió camino musical, estético y cultural. El popular éxito de reggaetón, que encabezó la lista Latin Airplay durante dos semanas en junio de 2020 y es parte de su álbum YHLQMDLG, celebra a las mujeres independientes que pueden salir de fiesta solas y fue pionero en la larga lista de temas de artistas hombres que buscaban “empoderar” a las mujeres. Sin embargo, ninguno fue tan efectivo como este. La canción cuenta con la voz de la artista puertorriqueña Nesi (nombre real Génesis Ríos) y presenta a Bad Bunny disfrazado de protagonista, con el objetivo de romper el estereotipo de la mujer como objeto sexual en el género urbano. “Él quería simbolizar que los hombres también se preocupan por los derechos de las mujeres y que la violencia contra las mujeres también nos afecta a nosotros como hombres”, dijo anteriormente Stillz, codirector del video musical de “Yo perreo sola”, a Billboard. “Quería hacer algo divertido y único que impactara al mundo, pero quería impactar y llevar un mensaje a la comunidad del reggaetón que por lo general no es tan abierto a hablar sobre la comunidad LGBTQ”. — INGRID FAJARDO

Después de cinco años sin grabar en español, Ricky Martin hizo su regreso a la música latina con esta poderosa balada pop escrita por Franco de Vita y producida por Tommy Torres. Incluida en su álbum Almas del Silencio, “Tal vez” — en la que el cantante sopesa con tristeza lo que quizás hizo o dejó de hacer ante el inminente fin de una relación — debutó en abril de 2003 en el No. 1 de Hot Latin Songs y pasó 11 semanas en la cima de la lista. Es la mayor cantidad hasta la fecha para el superastro puertorriqueño entre sus 11 números uno en el chart, superando incluso a su megaéxito de 1999 “Livin’ La Vida Loca”, que lideró durante nueve semanas. El éxito del tema enfatizó la importancia de la música romántica, por un lado, y por el otro la de Martin como un artista transcendental. — S.R.A.

Con su inigualable capacidad para alcanzar agudos vertiginosos y graves devastadores con su canto, Marco Antonio Solís despliega toda la gama de su voz dorada en “O me voy o te vas”. En el ámbito de la balada latina, la canción se erige como una obra magna, mostrando la incomparable destreza vocal del cantautor mexicano. Con su gama de emociones, la canción ayudó a Solís, que originalmente era el cantante principal de la banda grupera mexicana Los Bukis, a cimentar aún más su carrera en solitario, después del megaéxito de “Si no te hubieras ido”. El meteórico ascenso de “O me voy…” al No. 1 de Hot Latin Songs da fe de su resonancia universal. — I.R.

En medio del floreciente movimiento de trap de 2017, liderado por artistas como Bad Bunny y Bryant Myers, Ozuna (quien también participó en algunos temas de trap) presentó una devota canción de R&B latino llamada “El farsante”. El artista puertorriqueño, que en ese momento estaba dando paso a una nueva generación de estrellas del reggaetón para revivir el género, destiló pasión con una letra que intentaba reconquistar al amor de su vida: “Si todavía me amas como antes/ Ya nada me parece interesante/ Ya sé que en el amor soy un farsante/ Yo sin ti no vuelvo a enamorarme bebé”, canta con su voz potente y azucarada. Considerado uno de los temas más emblemáticos de Ozu, “El farsante” tuvo después un remix con Romeo Santos, y la nueva versión alcanzó el No. 2 en Hot Latin Songs y el No. 6 en Latin Rhythm Airplay en 2018. Su video musical inspirado en las telenovelas actualmente cuenta con casi 2.000 millones de vistas en YouTube. — J.R.

Jenni Rivera era toda por y para las mujeres, y su música no fue la excepción. Después de sus innovadores himnos femeninos en banda “Las Malandrinas” y “La Chacalosa”, se podría argumentar que su álbum revelación fue Parrandera, Rebelde y Atrevida de 2005, encabezado por el sencillo del mismo nombre, una canción fascinante y popular rápidamente adoptada por las mujeres que eran tanto poderosas como empoderadas. Cruda, honesta e irreverente, la fallecida superestrella mexicana-estadounidense se jactaba de un estilo de vida rebelde, algo sobre lo que ninguna otra mujer regional mexicana cantaba en ese momento. Sin interés en ser una niña buena, Rivera declara, “Yo soy su madre reinas, potrancas, peligrosas, aquí estoy”. Definitivamente se estaba describiendo a sí misma. — G.F.

Al mejor estilo de Juan Luis Guerra, “La llave de mi corazón” nos puso a bailar en 2007, cuando debutó como parte del décimo álbum del maestro dominicano y su grupo 4.40, titulado igual que la canción. No solo fue su primer gran éxito del milenio, sino un regreso a sus raíces después del álbum cristiano de 2004 Para Ti, pero con un sonido fresco de “mambo merengue”. Este pop tropical con sabor a años 50, letras divertidas y arreglos magistrales le otorgó su cuarto No. 1 en Hot Latin Songs, donde pasó cuarto semanas consecutivas, la mayor cantidad entre sus seis liderazgos en el chart como solista, y también encabezó las listas Latin Airplay y Tropical Airplay. Cerró el 2007 coronándose como canción del año, grabación del año y mejor canción tropical en los Latin Grammys. Una versión en inglés incluida en el álbum, “Medicine For My Soul”, es igual de divertida. — S.R.A.

“No me enseñaste” es ampliamente considerada como una de las baladas más poderosas del pop en español y sigue siendo uno de los mayores éxitos de Thalia. La canción alcanzó el No. 1 en la lista Hot Latin Tracks de Billboard y permaneció en la cima de Latin Airplay durante dos semanas entre octubre y noviembre del 2002. Sus melodías que remontan vuelo y sus letras desgarradoras muestran a la perfección la capacidad de la superestrella para alternar entre baladas dramáticas y temas alegres. Escrita por el creador de éxitos Estéfano en el apogeo de su popularidad, junto con Julio Reyes Copello, “No me enseñaste” encarna el poder y el patetismo del pop femenino en una época en la que la música dominaba las listas, convirtiéndola en una contribución inolvidable al género del pop latino. — I.F. 

El hijo de Vicente Fernández se abrió un camino completamente nuevo al utilizar su excepcional dominio vocal de las rancheras tradicionales y las canciones pop románticas para ser un pionero en la combinación de ambos géneros, ganando un gran número de seguidores. Pocas canciones ejemplifican mejor esta mezcla que la hermosa “Me dediqué a perderte”, que debutó en la cima de la lista Hot Latin Songs. Este clásico de desamor tiene dulces melodías y una letra precisa que cuenta maravillosamente, sobre el acompañamiento de guitarra acústica y violín, la historia de alguien que sin querer acaba con el amor de su pareja. La canción fue escrita por Leonel García, la mitad del popular dúo Sin Bandera, y subraya cómo lo contemporáneo y lo tradicional pueden ir de la mano. — I.F. 

Carlos Vives experimentó una especie de renacer a principios de la década de 2010 — con su primer álbum de música original en casi una década y su floreciente relación con su hoy esposa Claudia Elena Vásquez — y lo dejó hermosamente plasmado en este alegre vallenato. Escrita y producida por el astro colombiano y Andrés Castro, e incluida en el álbum Corazón Profundo de 2013, podría decirse que “Volví a nacer” es una de las canciones más emocionantes y personales de Vives. Llegó al No. 1 de listas de Billboard como Hot Latin Songs, Latin Pop Airplay, Latin Airplay y Tropical Airplay, y ganó los premios a la canción del año y mejor canción tropical en los Latin Grammys de 2013, regresándolo a su posición como el gran embajador mundial de la música colombiana a través de las décadas. — S.R.A.

En una época en la que los hombres dominaban por completo la escena del reggaetón, Ivy Queen rompió estereotipos en todos los sentidos: una mujer en un género dominado por los hombres, que no se ajustaba a los estereotipos de sobresexualidad y cuyas letras se centraban en el romance y el empoderamiento femenino. A Ivy le tomó una década completa llegar a las listas de Billboard y lo logró con “Quiero bailar” en 2005. El tema de reggaetón con infusión de riddim jamaicano ha resistido la prueba del tiempo gracias a su letra irreverente escrita por la propia Ivy, que deja en claro que bailar y pasar un buen rato con un hombre en un club no significa automáticamente que ella consienta tener relaciones sexuales. Este himno fue la primera canción de reggaetón de una artista femenina en ingresar a los charts, alcanzando el puesto No. 8 en la lista Latin Rhythm Airplay de Billboard y allanando el camino para otras mujeres en el género. — J.R.

“Andar conmigo”, la creativa fusión de pop con ranchera de Julieta Venegas, trascendió fronteras con su atrevida historia y la melodía de su acordeón. Con su dulce y característica voz, Venegas teje una historia sobre una mujer que se atreve a tomar la iniciativa frente a alguien que le gusta, que aún resuena con oyentes en todo el mundo. Escrita por Venegas junto a Coti Sorokin (quien también coescribió “Color esperanza” de Diego Torres), la canción lanzada en 2003 fue una de las primeras incursiones de la mexicana en las listas de Billboard, y quizás el primer tema de una artista femenina “alternativa” en los charts. Alcanzó el No. 17 en Latin Pop Airplay en el 2004. — L. Calle

“El problema” de Ricardo Arjona expresa emociones interpersonales complejas mediante el uso de descripciones simples pero poderosas. Cada verso se concentra en un problema irresoluble dentro de la relación, articulado con la concisión de un anuncio comercial. Escrita por el cantautor guatemalteco, esta canción es una forma fascinante de examinar y responder las propias preguntas a través de sus versos, y también es un ejemplo de composición elevada pero comercialmente exitosa. Este enfoque poético es un testimonio de las habilidades de composición de Arjona, y también es su canción con mejor desempeño en la lista Latin Airplay de Billboard, donde permaneció en el No. 1 durante ocho semanas consecutivas en 2002. — I.F.

El mariachi había sido considerado el reino de una generación mayor hasta que Christian Nodal le infundió juventud. Con solo 18 años, el debutante cautivó los corazones de muchos con su voz fuerte y poderosa y su lirismo maduro, como se escuchó en su exitoso sencillo de 2017, “Adiós Amor”. El tema — una composición original de Salvador Garza grabado por primera vez en banda por Los Dareyes de la Sierra en 2008 — narra la historia de una persona que termina una relación después de ser traicionada. Más allá de su letra desgarradora, “Adiós amor” puso en el mapa el innovador estilo musical “mariacheño” (una mezcla de mariachi y norteño) de Nodal. Le valió al cantautor nacido en Sonora su primer No. 1 en la lista Regional Mexican Airplay, donde dominó durante siete semanas en 2017. Hasta la fecha, es su liderazgo más prolongado, junto con “De los besos que te di” de 2019. — J.R. 

El impacto de Gustavo Cerati en el rock en español trasciende a Soda Stereo, como evidencia su joya en solitario “Crimen”. Con una voz arrebatadora y anhelante a la vez, el inconformista musical argentino captura corazones a través de una narración conmovedora en medio de una hermosa orquestación de piano. La canción de 2006 explora la devastación del desamor con una poesía desgarradora, dando testimonio de la acción “criminal” de sentirse así. Su éxito se ha visto validado por diversos galardones, entre ellos el de mejor canción de rock en los Latin Grammys y en Premios MTV a los Videos Musicales de 2007, así como el de canción del año en los Premios Gardel de Argentina, que avalan la maestría de la canción y consolidan el legado perdurable de Cerati. — I.R.

Con los brillantes tonos metálicos de una trompeta se introdujo un nuevo clásico del pop tropical. Escrita por el productor Richy Peña junto con un joven dúo de Venezuela, Jesús Alberto Miranda (Chino) y Miguel Ignacio Mendoza (Nacho), el ritmo animado y la letra romántica de “Mi niña bonita” cautivaron a nuevas audiencias en 2010 e introdujeron un nuevo estilo de tropi-pop al mercado. “Mi niña bonita” no solo fue el sencillo debut de Chino y Nacho en Estados Unidos, sino que también les dio su primer No. 1 en Hot Latin Songs. La canción se mantuvo en la cima durante tres semanas consecutivas en mayo de 2010. La letra se combina maravillosamente con una melodía entrañable y un patrón vocal rítmico (“shuba, shuba, shuba”) en el coro, creando nostalgia y marcando una era significativa del merengue pop en la música. — I.F. 

Once años después de iniciar su carrera en 2007, Pedro Capó tuvo su primer gran éxito: “Calma”. Escrita por el artista puertorriqueño junto a Gabriel Edgar González Pérez y George Noriega, la relajada melodía de reggae es impulsada por letras positivas sobre relajarse en la playa, abrir una cerveza y disfrutar de las cosas más sencillas. En 2019, “Calma” le dio a Capó, entonces de 39 años, su primer No. 1 en las listas Latin Airplay y Latin Pop Airplay, así como su máximo en el No. 3 de Hot Latin Songs. También recibió el codiciado premio a la canción del año en los Latin Grammys de 2019 y tuvo remezclas con Farruko y Alicia Keys. — J.R.

“Hasta la raíz” de Natalia Lafourcade, que dio nombre a su aclamado álbum de estudio de 2015, captura la madurez lírica de la cantautora mexicana que surgió al rastrear sus raíces, como sugiere el nombre de la canción. Fusionando maravillosos riffs de huapango con su característico sonido de pop alternativo, “Hasta la raíz” es una oda honesta a las experiencias, viajes y lecciones aprendidas que han dado forma a quién es ella hoy. Escrita por Lafourcade y el cantautor mexicano Leonel García (de Sin Bandera), ganó el premio a canción y grabación del año en la 16ª entrega anual de los Latin Grammys. — G.F.

Maluma ya era una estrella mundial antes de “Hawái”, pero la canción, que explora una ruptura en la era de Instagram, lo llevó a otro nivel. Lanzada el 2020, “Hawái” se convirtió en la primera canción en encabezar la nueva lista Global Excl. U.S., y siguió arrasando aún en el 2023, cuando superó 1.000 millones de vistas en YouTube. Escrita por Maluma, Keityn, Edgar Barrera y Bulle Nene, se destaca por una envolvente progresión de acordes que también atrajo la atención de The Weeknd, lo que resultó en un épico remix. La colaboración bilingüe con el astro canadiense ayudó a la canción a escalar al No. 12 en el Billboard Hot 100 y abrió las puertas para una nueva era de colaboraciones bilingües. — L.Calle 

Rauw Alejandro asumió “un riesgo”, como dijo a Billboard en 2021, cuando lanzó “Todo de ti”, que contrastaba con su atrevido estilo de reggaetón y R&B. La canción rompió con todo lo que sucedía en el reggaetón en ese momento y se convirtió en el éxito más grande de Rauw hasta la fecha. Producida por NaisGai y coescrita por Rauw y Rafa Pabón, “Todo” está respaldada por un ritmo disco retro y versos sobre el gusto por todo acerca de esa persona especial. El himno de verano le valió al camaleónico artista puertorriqueño su primera entrada en el Billboard Hot 100, así como su mejor posición en la lista Hot Latin Songs, donde alcanzó el No. 2 en septiembre de 2021, y su liderazgo más extenso en Latin Airplay, pasando tres semanas en la cima del chart. También abrió la puerta a una mayor experimentación dentro de la música urbana latina. — J.R.

Con su apasionante sensibilidad pop-rock y su combinación de música acústica y electrónica, “Ni una sola palabra” fusiona elementos tradicionales con una producción contemporánea, cortesía de Cachorro López. Compuesta por Xabi San Martín, la conmovedora narrativa de la Chica Dorada ahonda en la soledad del amor perdido, yuxtaponiendo versos de chica triste con ritmos alegres. No solo consolidó el estatus de Rubio como icono del pop latino, sino que reforzó el atractivo internacional de la música latina hasta entrado el nuevo milenio. La canción, que debutó en el No. 98 de la lista Billboard Hot 100, resume un momento de transformación y subraya la evolución del sonido del pop latino en el siglo XXI, en un momento en el que las mujeres latinas tenían una fuerte presencia en las listas respaldadas por canciones de primera categoría. — I.R.

Al principio de la gira de reunión de 2022 de Rage Against the Machine, retrasada por el COVID, Zack de la Rocha sufrió una lesión — que luego se reveló como un tendón de Aquiles desgarrado — pero siguió adelante y le dijo al público: “Así tenga que arrastrarme por este escenario, vamos a tocar para todos ustedes esta noche. Llegamos demasiado lejos”. Dada su política y la de Rage, la presencia en vivo de De la Rocha siempre se ha sentido de alto riesgo, pero la determinación valiente del rapero-rockero y su capacidad vocal para atravesar la vorágine instrumental creada por las tres leyendas que lo rodean lo consolidan en el panteón de los vocalistas principales. —ERIC RENNER MARRÓN

Rubén Albarrán, el líder mercurial del grupo de rock mexicano Café Tacvba, se erige como un faro luminoso de brillantez musical. Con una presencia escénica inigualable, y una asombrosa habilidad para reinventarse con cada lanzamiento de un álbum (que a veces incluye un nuevo alter ego), Albarrán entrelaza una imprevisibilidad emocionante y una vulnerabilidad cruda con una pasión ilimitada. Su voz es una maravilla multifacética, ya sea desatando un arrullo cristalino que puede atravesar tu corazón (“María”, “Que no”), o un gruñido ominoso que puede volverse severo y amargo (“Déjate caer”). En el escenario, su habilidad para conectarse con la multitud no tiene rival, mezclando una tormenta perfecta de humor sardónico, pasos de baile graciosos, orgullo nativo y mística del rock latino. —ISABELA RAYGOZA

Sabes que eres un líder exitoso cuando tu propio nombre es tan reconocido mundialmente como el de tu banda, sin haber salido nunca al ruedo por tu cuenta. Por otra parte, cuando puedes cantar, tocar la guitarra principal y hasta la batería, ¿quién tiene tiempo para un esfuerzo en solitario? Desde sus comienzos en Nirvana hasta Foo Fighters, Grohl ha demostrado continuamente ser un camaleón en el escenario. ¿Pero quizás aún más notable? Ha mantenido su título del chico más agradable en el rock a lo largo de los años. —LYNDSEY HAVENS

Un desastre en la escalera del éxito, los ‘Mats manifestaron, con gran riesgo, la idea de que el rock ‘n’ roll estaba destinado a ser rebelde. Y Westerberg, un sabelotodo carismático, personificó la ambivalencia a menudo arrogante de la banda sobre el éxito mainstream, aun cuando lo alcanzaba con composiciones empáticas, desgarradoras y autocríticas que se volvían más brillantes con cada álbum. The Replacements están muertos, pero sobreviven, en parte debido a sus embriagadoras gracias en vivo, pero principalmente porque gemas de Westerberg como “Unsatisfied”, “Bastards of Young”, “Sadly Beautiful” y “Can’t Hardly Wait” todavía despiertan pasiones y derriten corazones. —FRANK DIGIACOMO

Una de los vocalistas más características del punk, Poly Styrene arremetió contra el consumismo, la misoginia y la artificialidad con una voz que podía pasar de un aullido penetrante a un rugido que vibraba rápidamente. Con frenillos en los dientes y un desdén por quienes pensaban que las mujeres en las bandas deberían ser objetos sexuales, Styrene dirigió a X-Ray Spex a lo largo de una breve carrera (solo un álbum, Germfree Adolescents, y cinco sencillos a fines de los años 70) que, sin embargo, resultó indispensable para las futuras generaciones de punks y riot grrrls. —JOE LYNCH

Cuando Living Color se abrió paso con su debut de 1988, Vivid, y el exitoso sencillo “Cult of Personality”, todos los ojos y oídos se posaron sobre Glover. Entre sus largas trenzas, coloridos atuendos y una voz tan amenazadora como fluida, Glover era una nueva fuerza a tener en cuenta, especialmente junto con el guitarrista Vernon Reid. Aunque Glover y su grupo ganaron premios Grammy consecutivos a la mejor interpretación de hard rock, siguen siendo una de las bandas de rock más subestimadas de todos los tiempos, con uno de los líderes más convincentes. —MELINDA NEWMAN

Estéticamente, Garcia pasó la mayor parte de su carrera como un anti-líder, cambiando el colorido atuendo psicodélico y el intrincado traje Nudie que usó en los primeros años de Dead por camisetas sencillas y una presencia estoica en el escenario. Pero lo que a Garcia le faltaba como un líder con el fervor tradicional, lo compensó como el motor creativo y espiritual de The Dead, liderando no solo a la banda sino atrayendo a los fanáticos con un magnetismo inefable que persistió mucho después de su muerte en 1995. —E.R.B.

Courtney Love, que nunca se sintió del todo a gusto ni en como riot grrrl ni en el grunge, convirtió a Hole en una de las bandas de rock más esenciales de cualquier subgénero a mediados de los 90, con su voz irritable y relajante, sus letras desgarradoras y una presencia pública por momentos disruptiva. Y cuando el top 40 recuperó el control a fines de la década, lo llenó de glamour y se encontró tan a gusto en TRL como en Buzz Bin, logrando la iconicidad pop sin perder nada de su potencia artística. —ANDREW UNTERBERGER

Algunos de los momentos más memorables de System of a Down existen debido a la intensidad gutural de Serj Tankian: sus gritos de “WAKE UP!” en “Chop Suey!”, el coro desesperado de “Toxicity”, el contundente movimiento final de “B.Y.O.B.”, por nombrar algunos, pero esas interpretaciones fueron muy efectivas porque Tankian retrocedía con la misma frecuencia a la la suavidad de las melodías frágiles. La tensión entre los lados suave y furioso cristalizó el comentario político y social de System of a Down, mientras Tankian arrullaba a los fans antes de despertarlos a las realidades inaceptables que los rodeaban. —JASON LIPSHUTZ

Sin duda, Gallagher estaba siendo al menos un poco descarado cuando declaró “esta noche soy una estrella del rock and roll” en la canción de apertura del debut de Oasis de 1994, Definitely Maybe. Sin embargo, la declaración fue precisa y no solo para una noche, sino toda la década de los 90, con la entrega de Gallagher definiendo la década. Su arrogancia dentro y fuera del escenario también lo convirtió en el espíritu animal de facto del britpop. —KATIE BAIN

Hay pocas cosas en este mundo tan cautivadoras como ver a Brittany Howard actuar en vivo. Su notable voz parece emanar desde las plantas de sus pies mientras vocifera algunas de las letras más tiernas, respaldada por el grupo estelar de músicos de Alabama Shakes. La presencia de Howard es tan deslumbrante como su voz, mientras pisotea el escenario y canaliza a los creadores del rock and roll. —TAYLOR MIMS

El estereotipo es que Paul McCartney era el Beatle más pop, mientras que John Lennon era el rocker de la banda. Como la mayoría de los estereotipos, eso no cuenta la historia completa. Paul cantó como solista en muchas baladas, pero también lideró al grupo en grandes temas de rock como “A Hard Day’s Night”, “Helter Skelter” y “Back in the USSR”. Una de las imágenes más perdurables de los primeros años de la banda es la de John y Paul, con las caras juntas, compartiendo un solo micrófono mientras cantaban. Esa es solo una de las cien cosas en las que los Beatles fueron pioneros. —PAUL GREIN 

Iggy Pop llevó las excentricidades de cantante de rock a la cumbre, haciendo todo lo que uno pueda imaginar frente a una multitud, desde cortarse la piel hasta exhibir su pene y dejarlo vibrar en un altavoz. Sin embargo, más allá de sus travesuras nihilistas, su voz — resonante y rica en un momento, y animal y chillona al siguiente — y su fraseo distintivo fueron una influencia inconmensurable en el nacimiento del punk. —J. Lynch

Sería certero llamar a Gwen Stefani una estrella pop, pero también sería reductivo. Mientras que otros cantantes de la época fueron pulidos al punto que era difícil identificarse con ellos, Stefani era más una estrella de rock que de alfombra roja. Marchando hacia la conciencia general con el álbum revelación de 1995 de No Doubt, Tragic Kingdom, su presencia eléctrica en el escenario y su entrega vocal elástica fusionaron vulnerabilidad, ira, feminidad, honestidad y vanguardia, lo que, combinado con su icónica estética ska punk de rubia oxigenada, la convirtió en un modelo perdurable para millones de chicas (y chicos) en el mundo. —K.B.

Descaradamente político y profundamente humanitario, Joe Strummer trajo un rango vocal a la música punk con el que pocos podrían competir. Claro, podía cantar burlándose y despotricando sobre todo, desde el imperialismo estadounidense hasta trabajos sin salida y brutalidad policial. Pero también había una exasperación obsesionada en su interpretación que era tan expresiva como Roy Orbison, al menos, hasta que The Clash pasó a una canción que requería que la rompiera en el escenario como Jerry Lee Lewis o Jimi Hendrix. —J. Lynch

Desde el rostro gloriosamente impredecible y con cabello encrespado del movimiento psicodélico de San Francisco a finales de los 60 con Jefferson Airplane hasta una maniquí con traje de pantalón en el video musical de finales de los 80 para el clásico del pop “Nothing’s Gonna Stop Us Now” con Starship, Grace Slick usó su dinámica voz y sus ojos salvajes para crear una presencia escénica cautivadora de la que era imposible apartar la vista, a través de géneros y generaciones. —KATIE ATKINSON

El factor X que llevó a Linkin Park de ser una muy buena banda de nu-metal a verdaderos revolucionarios fue Chester Bennington, quien se convirtió en una de las estrellas de rock más grandes del siglo XXI al exorcizar sus demonios con una ferocidad ensordecedora y una ternura que desarma. Siempre accesible y simpático incluso cuando parecía sobrehumano en su actuación, Bennington le aportó una gravedad innegable a crossovers del pop como “In the End” y “What I’ve Done”, y fue capaz de defenderse en un sencillo exitoso junto al gran Jay-Z. —A.U.

Gustavo Cerati, el difunto y legendario gran líder de la banda argentina Soda Stereo, surgió en los años 80 como una figura trascendente cuya presencia en el escenario era una sinfonía de encanto místico. Con una voz etérea que bailaba entre la inquietante vulnerabilidad (“Té para 3”) y la altísima intensidad (“Persiana americana”), Cerati conjuró un emotivo paisaje sonoro que envolvió al público en un abrazo fascinante. Un virtuoso de la guitarra, sus dedos se deslizaban sin esfuerzo sobre las cuerdas, poseyendo la habilidad de tocar simultáneamente nuestras fibras más sensibles. Sus composiciones y maestría escénica que desafiaron géneros, junto con letras evocadoras que encendieron una profunda introspección, quedarán grabados para siempre en la historia del rock latino. —I.R.

Como ancestro del metal, Ozzy Osbourne inspiró a innumerables vocalistas, muchos de los cuales, sin duda, son mucho más competentes técnicamente. Pero el tono distintivo y la entrega melodramática del Príncipe de las Tinieblas — por momentos temeroso y traumatizado, y por momentos diabólico y amenazante — cambió la forma en que la gente pensaba sobre lo que debería hacer un cantante. Tal vez el cantante principal de una banda no estaba allí para seducirte, sino para asustarte. —J. Lynch

Convertirse en una de las primeras cantantes de punk rock famosas en declararse transgénero en 2012 requirió un asombroso nivel de valentía por parte de Laura Jane Grace, pero la líder de Against Me! siempre había exhibido un alto grado de coraje a lo largo de su carrera, ya sea liderando innumerables mosh pits o insistiendo en su identidad en la composición de sus canciones. El primer álbum de la banda después de que Grace salió del clóset, Transgender Dysphoria Blues de 2014, se erige como una pieza indispensable de la historia del rock y demostró que Grace no perdería ni un gramo de su gruñido mientras decía su verdad. —J. Lipshutz

A finales de los 70 y principios de los 80 muchas bandas tenían riffs y melodrama de sobra, pero solo una de ellas tenía a Steve Perry. Equipado con la rara voz masculina de rock que podía escalar octavas sin perder potencia, dureza o claridad, y el carácter suficiente para seguir siendo inconfundible en sus registros más bajos, Perry fue el arma que permitió que Journey se destacara del resto y trascendiera las décadas, con éxitos emblemáticos como “Don’t Stop Believin’” y “Separate Ways” aún como elementos básicos de la cultura pop y el karaoke. (La mejor de las suertes si intentas cantarlas). —A.U.

Con una voz inconfundible e imposiblemente altísima solo comparable con las guitarras aullantes de Heart, Ann Wilson se abrió camino en el club de los chicos del rock ‘n’ roll en la década de 1970, asistida por las armonías perfectas de su hermana Nancy, guitarrista y también vocalista de Heart. Luego, en los años 80, la banda encontró una segunda vida, con Ann llevando su poderosa voz de rock a la cima del Hot 100 (dos veces) a través de innegables baladas pop impulsadas por esa voz aguda singular. Cincuenta años después, la cautivadora voz de Wilson sigue acaparando la atención y generando respeto. —K.A.

En parte líder (aunque él rechazaría ese título), en parte frijol humano saltarín, Anthony Kiedis es uno de los artistas más cautivadores de la música. Convierte cada presentación — sin importar si la banda encabeza un festival o toca en un club más pequeño — en un espectáculo de alta energía que prioriza igualmente la música en vivo y el ejercicio físico, lo que hace que sea imposible no cantar y moverse con él mientras escupe y grita himnos acumulados a través de casi cuatro décadas de éxitos de la banda. —L.H.

En la década de 1960, la mayoría de la gente probablemente pasaba junto al discreto Lou Reed sin siquiera notarlo, y mucho menos darse cuenta de que se habían topado con el padrino de la música punk. Como líder de The Velvet Underground, su presencia sin pretensiones entregó parte del rock and roll más poético de la década, cantado con su estilo inexpresivo. Reed, con su mata de cabello rizado, parecía un hombre común que logró capturar los problemas de finales de los 60 en sus letras, antes de introducir tanto la angustia sin gloria de la década de 1970 y un género que ayudó a la gente a expresarla. —T.M.

¿Tiene Thom Yorke el falsete más bonito de la música moderna? A pesar de todos sus muchos atributos como un grande del rock de todos los tiempos (el tesoro de canciones poderosas, álbumes clásicos, pasajes líricos bien pensados ​​y experimentos atinados), ese registro superior inquietante y delicado será para siempre una tarjeta de presentación, desplegada con experticia en los temas emblemáticos de Radiohead (“Idioteque”, “High and Dry”) y otros favoritos de épocas posteriores (“Nude”, “Lotus Flower”) por igual. Dentro de un rango vocal amplio, Yorke siempre ha sido capaz de alcanzar notas tan bonitas que te harán llorar. —J. Lipshutz

Como líder de Big Brother & The Holding Company, Janis Joplin ayudó a definir una generación de rock ‘n’ roll psicodélico con su entrega de blues y sus convulsos movimientos escénicos. Por supuesto, debajo de la superficie de sus interpretaciones emotivas y sus decisiones vocales inimitables había demonios que eventualmente la alcanzarían, ya que Joplin murió de una sobredosis de heroína en 1970. Eso significa que el mundo solo tuvo tres años con la leyenda de cuando Big Brother estalló en el Monterey Pop Festival de 1967 hasta su trágica muerte a los 27 años. Imagina el impacto que pudo haber tenido con más tiempo. —K.A.