Categoría: Entretenimiento

Pocas canciones positivas son tan enigmáticas como “Me gustas tú”. Creada en solitario por Manu Chao, un cantante francés de ascendencia española, el encanto de la canción reside en su fusión de culturas y géneros, y en su aire bohemio. Sus ritmos kitsch encuentran la intersección entre la tropicâlia, el rock y el roots reggae en un enfoque totalmente nuevo reconocible al instante con el sonido nasal característico de Chao. “Me gustas tú”, lanzada en 2001, formó parte de una ola de artistas alternativos, incluida Julieta Venegas, que querían romper las convenciones del pop latino tras la llamada “explosión latina” de 1999. La canción alcanzó el No. 1 en España e Italia y llegó al No. 27 en la lista Latin Pop Airplay de Billboard. — ISABELA RAYGOZA

La innovadora “Malamente” de 2018 presentó al mundo a Rosalía, una estrella barcelonesa brillante y entonces en ciernes, que acabaría convirtiéndose en una de las experimentalistas flamenco-pop más convincentes de la música latina global. De hecho, este sencillo — perteneciente a su álbum ganador del Latin Grammy El Mar Querer — no solo marcó una ruptura con el discurso imperante y dominante del reggaetón, sino que también trastocó el panorama musical con un sonido poco común, inspirado en la centenaria literatura española. El mundo que la artista evoca en “Malamente” — coproducida por El Guincho y la propia Rosalía — es una bruma fascinante, llena de palmas entrecortadas y su seductor arrullo mientras canta sobre sus sueños, cristales rotos, la luna y las estrellas. La canción se certificó platino en numerosos Brasil, México, Estados Unidos y fue cinco veces platino en su España natal. — I.R.

Alejandro Sanz lleva mucho tiempo buscando darle profundidad y complejidad a la música pop. Lanzada en 2003, “No es lo mismo” muestra su maestría musical. Con versos contrastantes en los que el español filosofa sobre la sociedad, la canción ofrece temas de reflexión en una brillante bandeja de prodigiosos músicos, como Vinnie Colaiuta (batería) y Anthony Jackson (bajo), y la entrega de la inigualable voz de Sanz. Ganadora de los premios Latin Grammy a la canción del año y grabación del año en 2004, “No es lo mismo” también cosechó éxitos en las listas de Billboard, alcanzando el No. 3 el Latin Pop Airplay y el No. 4 de las listas Hot Latin Songs y Latin Airplay en 2003. — LUISA CALLE

Con el primer sencillo de su segundo álbum de estudio, Mis Manos, Camilo dejó claro que su éxito inicial no era un accidente. En “Vida de rico”, una alegre cumbia escrita y producida por Camilo con Edgar Barrera, el cantautor colombiano le ofrece a su amada todo lo que tiene, aunque no sea una fortuna. Con su juego de palabras y su enfoque en la melodía, Camilo logró introducir una nueva versión del pop latino rara vez escuchada antes: juvenil y sencilla, pero también hermosamente elaborada. La canción debutó en septiembre de 2020, en tiempos de pandemia, y llegó al No. 1 de las listas Latin Airplay y Latin Pop Airplay. También entró al top 10 de Hot Latin Songs y figuró en las listas internacionales Billboard Global Excl. U.S. y Billboard Global 200, donde pasó un total de 30 y 24 semanas, respectivamente. Su video musical casero, protagonizado por Camilo, su esposa Evaluna y sus cuñados y amigos, es igual de dulce y también mostró un nuevo lado sencillo y vulnerable del pop. — SIGAL RATNER-ARIAS

Hoy en día, la música sierreña es un estilo popular abrazado por artistas como Natanael Cano, Junior H y Eslabon Armado. Pero fue el fallecido cantante mexicano Ariel Camacho quien popularizó el subgénero regional mexicano con canciones como “Te metiste” hace casi 10 años. Reforzada por sentimentales acordes de requinto y una tuba vibrante, la capacidad de Camacho para transmitir emociones profundas a través de complejos solos de guitarra acústica en “Te metiste” inspiró a toda una nueva generación de artistas en el regional mexicano a aprender a tocar instrumentos. Además de su impacto duradero en el género, este tema profundamente emotivo le dio a Ariel Camacho y Los Plebes su primer No. 1 en la lista Regional Mexican Airplay de Billboard. — GRISELDA FLORES

Con la intención de “proponer una filosofía de vida […] para hacer pensar y bailar a la gente”, como Luis Enrique dijo anteriormente a Billboard, “Yo no sé mañana” (Top Spot Music) se ha convertido en un tema de salsa atemporal. Con una sabia letra (escrita por Jorge Luis Piloto y Jorge Villamizar) sobre vivir el momento, el éxito tropical no solo conservó la salsa romántica del artista nicaragüense sino que también marcó su regreso triunfal después de años de no tener un éxito. También fue un regreso triunfal de la salsa romántica, que cambió el curso de la música tropical en la década de 1990. En 2009, “Yo no sé mañana” alcanzó el No. 6 en la lista Hot Latin Songs (el máximo para Luis Enrique desde “Lo que es vivir” en 1992) y encabezó la lista Tropical Airplay durante 11 semanas (su primer éxito No. 1 desde “Así es la vida” en 1994). El tema le valió al “Príncipe de la Salsa” el Latin Grammy a la mejor canción tropical y el Premio Billboard de la Música Latina a la Canción “Tropical Airplay” del Año. — JESSICA ROIZ

Si bien Bad Bunny ha tenido un desfile aparentemente interminable de éxitos en los últimos cinco años, “Yo perreo sola” abrió camino musical, estético y cultural. El popular éxito de reggaetón, que encabezó la lista Latin Airplay durante dos semanas en junio de 2020 y es parte de su álbum YHLQMDLG, celebra a las mujeres independientes que pueden salir de fiesta solas y fue pionero en la larga lista de temas de artistas hombres que buscaban “empoderar” a las mujeres. Sin embargo, ninguno fue tan efectivo como este. La canción cuenta con la voz de la artista puertorriqueña Nesi (nombre real Génesis Ríos) y presenta a Bad Bunny disfrazado de protagonista, con el objetivo de romper el estereotipo de la mujer como objeto sexual en el género urbano. “Él quería simbolizar que los hombres también se preocupan por los derechos de las mujeres y que la violencia contra las mujeres también nos afecta a nosotros como hombres”, dijo anteriormente Stillz, codirector del video musical de “Yo perreo sola”, a Billboard. “Quería hacer algo divertido y único que impactara al mundo, pero quería impactar y llevar un mensaje a la comunidad del reggaetón que por lo general no es tan abierto a hablar sobre la comunidad LGBTQ”. — INGRID FAJARDO

Después de cinco años sin grabar en español, Ricky Martin hizo su regreso a la música latina con esta poderosa balada pop escrita por Franco de Vita y producida por Tommy Torres. Incluida en su álbum Almas del Silencio, “Tal vez” — en la que el cantante sopesa con tristeza lo que quizás hizo o dejó de hacer ante el inminente fin de una relación — debutó en abril de 2003 en el No. 1 de Hot Latin Songs y pasó 11 semanas en la cima de la lista. Es la mayor cantidad hasta la fecha para el superastro puertorriqueño entre sus 11 números uno en el chart, superando incluso a su megaéxito de 1999 “Livin’ La Vida Loca”, que lideró durante nueve semanas. El éxito del tema enfatizó la importancia de la música romántica, por un lado, y por el otro la de Martin como un artista transcendental. — S.R.A.

Con su inigualable capacidad para alcanzar agudos vertiginosos y graves devastadores con su canto, Marco Antonio Solís despliega toda la gama de su voz dorada en “O me voy o te vas”. En el ámbito de la balada latina, la canción se erige como una obra magna, mostrando la incomparable destreza vocal del cantautor mexicano. Con su gama de emociones, la canción ayudó a Solís, que originalmente era el cantante principal de la banda grupera mexicana Los Bukis, a cimentar aún más su carrera en solitario, después del megaéxito de “Si no te hubieras ido”. El meteórico ascenso de “O me voy…” al No. 1 de Hot Latin Songs da fe de su resonancia universal. — I.R.

En medio del floreciente movimiento de trap de 2017, liderado por artistas como Bad Bunny y Bryant Myers, Ozuna (quien también participó en algunos temas de trap) presentó una devota canción de R&B latino llamada “El farsante”. El artista puertorriqueño, que en ese momento estaba dando paso a una nueva generación de estrellas del reggaetón para revivir el género, destiló pasión con una letra que intentaba reconquistar al amor de su vida: “Si todavía me amas como antes/ Ya nada me parece interesante/ Ya sé que en el amor soy un farsante/ Yo sin ti no vuelvo a enamorarme bebé”, canta con su voz potente y azucarada. Considerado uno de los temas más emblemáticos de Ozu, “El farsante” tuvo después un remix con Romeo Santos, y la nueva versión alcanzó el No. 2 en Hot Latin Songs y el No. 6 en Latin Rhythm Airplay en 2018. Su video musical inspirado en las telenovelas actualmente cuenta con casi 2.000 millones de vistas en YouTube. — J.R.

Jenni Rivera era toda por y para las mujeres, y su música no fue la excepción. Después de sus innovadores himnos femeninos en banda “Las Malandrinas” y “La Chacalosa”, se podría argumentar que su álbum revelación fue Parrandera, Rebelde y Atrevida de 2005, encabezado por el sencillo del mismo nombre, una canción fascinante y popular rápidamente adoptada por las mujeres que eran tanto poderosas como empoderadas. Cruda, honesta e irreverente, la fallecida superestrella mexicana-estadounidense se jactaba de un estilo de vida rebelde, algo sobre lo que ninguna otra mujer regional mexicana cantaba en ese momento. Sin interés en ser una niña buena, Rivera declara, “Yo soy su madre reinas, potrancas, peligrosas, aquí estoy”. Definitivamente se estaba describiendo a sí misma. — G.F.

Al mejor estilo de Juan Luis Guerra, “La llave de mi corazón” nos puso a bailar en 2007, cuando debutó como parte del décimo álbum del maestro dominicano y su grupo 4.40, titulado igual que la canción. No solo fue su primer gran éxito del milenio, sino un regreso a sus raíces después del álbum cristiano de 2004 Para Ti, pero con un sonido fresco de “mambo merengue”. Este pop tropical con sabor a años 50, letras divertidas y arreglos magistrales le otorgó su cuarto No. 1 en Hot Latin Songs, donde pasó cuarto semanas consecutivas, la mayor cantidad entre sus seis liderazgos en el chart como solista, y también encabezó las listas Latin Airplay y Tropical Airplay. Cerró el 2007 coronándose como canción del año, grabación del año y mejor canción tropical en los Latin Grammys. Una versión en inglés incluida en el álbum, “Medicine For My Soul”, es igual de divertida. — S.R.A.

“No me enseñaste” es ampliamente considerada como una de las baladas más poderosas del pop en español y sigue siendo uno de los mayores éxitos de Thalia. La canción alcanzó el No. 1 en la lista Hot Latin Tracks de Billboard y permaneció en la cima de Latin Airplay durante dos semanas entre octubre y noviembre del 2002. Sus melodías que remontan vuelo y sus letras desgarradoras muestran a la perfección la capacidad de la superestrella para alternar entre baladas dramáticas y temas alegres. Escrita por el creador de éxitos Estéfano en el apogeo de su popularidad, junto con Julio Reyes Copello, “No me enseñaste” encarna el poder y el patetismo del pop femenino en una época en la que la música dominaba las listas, convirtiéndola en una contribución inolvidable al género del pop latino. — I.F. 

El hijo de Vicente Fernández se abrió un camino completamente nuevo al utilizar su excepcional dominio vocal de las rancheras tradicionales y las canciones pop románticas para ser un pionero en la combinación de ambos géneros, ganando un gran número de seguidores. Pocas canciones ejemplifican mejor esta mezcla que la hermosa “Me dediqué a perderte”, que debutó en la cima de la lista Hot Latin Songs. Este clásico de desamor tiene dulces melodías y una letra precisa que cuenta maravillosamente, sobre el acompañamiento de guitarra acústica y violín, la historia de alguien que sin querer acaba con el amor de su pareja. La canción fue escrita por Leonel García, la mitad del popular dúo Sin Bandera, y subraya cómo lo contemporáneo y lo tradicional pueden ir de la mano. — I.F. 

Carlos Vives experimentó una especie de renacer a principios de la década de 2010 — con su primer álbum de música original en casi una década y su floreciente relación con su hoy esposa Claudia Elena Vásquez — y lo dejó hermosamente plasmado en este alegre vallenato. Escrita y producida por el astro colombiano y Andrés Castro, e incluida en el álbum Corazón Profundo de 2013, podría decirse que “Volví a nacer” es una de las canciones más emocionantes y personales de Vives. Llegó al No. 1 de listas de Billboard como Hot Latin Songs, Latin Pop Airplay, Latin Airplay y Tropical Airplay, y ganó los premios a la canción del año y mejor canción tropical en los Latin Grammys de 2013, regresándolo a su posición como el gran embajador mundial de la música colombiana a través de las décadas. — S.R.A.

En una época en la que los hombres dominaban por completo la escena del reggaetón, Ivy Queen rompió estereotipos en todos los sentidos: una mujer en un género dominado por los hombres, que no se ajustaba a los estereotipos de sobresexualidad y cuyas letras se centraban en el romance y el empoderamiento femenino. A Ivy le tomó una década completa llegar a las listas de Billboard y lo logró con “Quiero bailar” en 2005. El tema de reggaetón con infusión de riddim jamaicano ha resistido la prueba del tiempo gracias a su letra irreverente escrita por la propia Ivy, que deja en claro que bailar y pasar un buen rato con un hombre en un club no significa automáticamente que ella consienta tener relaciones sexuales. Este himno fue la primera canción de reggaetón de una artista femenina en ingresar a los charts, alcanzando el puesto No. 8 en la lista Latin Rhythm Airplay de Billboard y allanando el camino para otras mujeres en el género. — J.R.

“Andar conmigo”, la creativa fusión de pop con ranchera de Julieta Venegas, trascendió fronteras con su atrevida historia y la melodía de su acordeón. Con su dulce y característica voz, Venegas teje una historia sobre una mujer que se atreve a tomar la iniciativa frente a alguien que le gusta, que aún resuena con oyentes en todo el mundo. Escrita por Venegas junto a Coti Sorokin (quien también coescribió “Color esperanza” de Diego Torres), la canción lanzada en 2003 fue una de las primeras incursiones de la mexicana en las listas de Billboard, y quizás el primer tema de una artista femenina “alternativa” en los charts. Alcanzó el No. 17 en Latin Pop Airplay en el 2004. — L. Calle

“El problema” de Ricardo Arjona expresa emociones interpersonales complejas mediante el uso de descripciones simples pero poderosas. Cada verso se concentra en un problema irresoluble dentro de la relación, articulado con la concisión de un anuncio comercial. Escrita por el cantautor guatemalteco, esta canción es una forma fascinante de examinar y responder las propias preguntas a través de sus versos, y también es un ejemplo de composición elevada pero comercialmente exitosa. Este enfoque poético es un testimonio de las habilidades de composición de Arjona, y también es su canción con mejor desempeño en la lista Latin Airplay de Billboard, donde permaneció en el No. 1 durante ocho semanas consecutivas en 2002. — I.F.

El mariachi había sido considerado el reino de una generación mayor hasta que Christian Nodal le infundió juventud. Con solo 18 años, el debutante cautivó los corazones de muchos con su voz fuerte y poderosa y su lirismo maduro, como se escuchó en su exitoso sencillo de 2017, “Adiós Amor”. El tema — una composición original de Salvador Garza grabado por primera vez en banda por Los Dareyes de la Sierra en 2008 — narra la historia de una persona que termina una relación después de ser traicionada. Más allá de su letra desgarradora, “Adiós amor” puso en el mapa el innovador estilo musical “mariacheño” (una mezcla de mariachi y norteño) de Nodal. Le valió al cantautor nacido en Sonora su primer No. 1 en la lista Regional Mexican Airplay, donde dominó durante siete semanas en 2017. Hasta la fecha, es su liderazgo más prolongado, junto con “De los besos que te di” de 2019. — J.R. 

El impacto de Gustavo Cerati en el rock en español trasciende a Soda Stereo, como evidencia su joya en solitario “Crimen”. Con una voz arrebatadora y anhelante a la vez, el inconformista musical argentino captura corazones a través de una narración conmovedora en medio de una hermosa orquestación de piano. La canción de 2006 explora la devastación del desamor con una poesía desgarradora, dando testimonio de la acción “criminal” de sentirse así. Su éxito se ha visto validado por diversos galardones, entre ellos el de mejor canción de rock en los Latin Grammys y en Premios MTV a los Videos Musicales de 2007, así como el de canción del año en los Premios Gardel de Argentina, que avalan la maestría de la canción y consolidan el legado perdurable de Cerati. — I.R.

Con los brillantes tonos metálicos de una trompeta se introdujo un nuevo clásico del pop tropical. Escrita por el productor Richy Peña junto con un joven dúo de Venezuela, Jesús Alberto Miranda (Chino) y Miguel Ignacio Mendoza (Nacho), el ritmo animado y la letra romántica de “Mi niña bonita” cautivaron a nuevas audiencias en 2010 e introdujeron un nuevo estilo de tropi-pop al mercado. “Mi niña bonita” no solo fue el sencillo debut de Chino y Nacho en Estados Unidos, sino que también les dio su primer No. 1 en Hot Latin Songs. La canción se mantuvo en la cima durante tres semanas consecutivas en mayo de 2010. La letra se combina maravillosamente con una melodía entrañable y un patrón vocal rítmico (“shuba, shuba, shuba”) en el coro, creando nostalgia y marcando una era significativa del merengue pop en la música. — I.F. 

Once años después de iniciar su carrera en 2007, Pedro Capó tuvo su primer gran éxito: “Calma”. Escrita por el artista puertorriqueño junto a Gabriel Edgar González Pérez y George Noriega, la relajada melodía de reggae es impulsada por letras positivas sobre relajarse en la playa, abrir una cerveza y disfrutar de las cosas más sencillas. En 2019, “Calma” le dio a Capó, entonces de 39 años, su primer No. 1 en las listas Latin Airplay y Latin Pop Airplay, así como su máximo en el No. 3 de Hot Latin Songs. También recibió el codiciado premio a la canción del año en los Latin Grammys de 2019 y tuvo remezclas con Farruko y Alicia Keys. — J.R.

“Hasta la raíz” de Natalia Lafourcade, que dio nombre a su aclamado álbum de estudio de 2015, captura la madurez lírica de la cantautora mexicana que surgió al rastrear sus raíces, como sugiere el nombre de la canción. Fusionando maravillosos riffs de huapango con su característico sonido de pop alternativo, “Hasta la raíz” es una oda honesta a las experiencias, viajes y lecciones aprendidas que han dado forma a quién es ella hoy. Escrita por Lafourcade y el cantautor mexicano Leonel García (de Sin Bandera), ganó el premio a canción y grabación del año en la 16ª entrega anual de los Latin Grammys. — G.F.

Maluma ya era una estrella mundial antes de “Hawái”, pero la canción, que explora una ruptura en la era de Instagram, lo llevó a otro nivel. Lanzada el 2020, “Hawái” se convirtió en la primera canción en encabezar la nueva lista Global Excl. U.S., y siguió arrasando aún en el 2023, cuando superó 1.000 millones de vistas en YouTube. Escrita por Maluma, Keityn, Edgar Barrera y Bulle Nene, se destaca por una envolvente progresión de acordes que también atrajo la atención de The Weeknd, lo que resultó en un épico remix. La colaboración bilingüe con el astro canadiense ayudó a la canción a escalar al No. 12 en el Billboard Hot 100 y abrió las puertas para una nueva era de colaboraciones bilingües. — L.Calle 

Rauw Alejandro asumió “un riesgo”, como dijo a Billboard en 2021, cuando lanzó “Todo de ti”, que contrastaba con su atrevido estilo de reggaetón y R&B. La canción rompió con todo lo que sucedía en el reggaetón en ese momento y se convirtió en el éxito más grande de Rauw hasta la fecha. Producida por NaisGai y coescrita por Rauw y Rafa Pabón, “Todo” está respaldada por un ritmo disco retro y versos sobre el gusto por todo acerca de esa persona especial. El himno de verano le valió al camaleónico artista puertorriqueño su primera entrada en el Billboard Hot 100, así como su mejor posición en la lista Hot Latin Songs, donde alcanzó el No. 2 en septiembre de 2021, y su liderazgo más extenso en Latin Airplay, pasando tres semanas en la cima del chart. También abrió la puerta a una mayor experimentación dentro de la música urbana latina. — J.R.

Con su apasionante sensibilidad pop-rock y su combinación de música acústica y electrónica, “Ni una sola palabra” fusiona elementos tradicionales con una producción contemporánea, cortesía de Cachorro López. Compuesta por Xabi San Martín, la conmovedora narrativa de la Chica Dorada ahonda en la soledad del amor perdido, yuxtaponiendo versos de chica triste con ritmos alegres. No solo consolidó el estatus de Rubio como icono del pop latino, sino que reforzó el atractivo internacional de la música latina hasta entrado el nuevo milenio. La canción, que debutó en el No. 98 de la lista Billboard Hot 100, resume un momento de transformación y subraya la evolución del sonido del pop latino en el siglo XXI, en un momento en el que las mujeres latinas tenían una fuerte presencia en las listas respaldadas por canciones de primera categoría. — I.R.

Al principio de la gira de reunión de 2022 de Rage Against the Machine, retrasada por el COVID, Zack de la Rocha sufrió una lesión — que luego se reveló como un tendón de Aquiles desgarrado — pero siguió adelante y le dijo al público: “Así tenga que arrastrarme por este escenario, vamos a tocar para todos ustedes esta noche. Llegamos demasiado lejos”. Dada su política y la de Rage, la presencia en vivo de De la Rocha siempre se ha sentido de alto riesgo, pero la determinación valiente del rapero-rockero y su capacidad vocal para atravesar la vorágine instrumental creada por las tres leyendas que lo rodean lo consolidan en el panteón de los vocalistas principales. —ERIC RENNER MARRÓN

Rubén Albarrán, el líder mercurial del grupo de rock mexicano Café Tacvba, se erige como un faro luminoso de brillantez musical. Con una presencia escénica inigualable, y una asombrosa habilidad para reinventarse con cada lanzamiento de un álbum (que a veces incluye un nuevo alter ego), Albarrán entrelaza una imprevisibilidad emocionante y una vulnerabilidad cruda con una pasión ilimitada. Su voz es una maravilla multifacética, ya sea desatando un arrullo cristalino que puede atravesar tu corazón (“María”, “Que no”), o un gruñido ominoso que puede volverse severo y amargo (“Déjate caer”). En el escenario, su habilidad para conectarse con la multitud no tiene rival, mezclando una tormenta perfecta de humor sardónico, pasos de baile graciosos, orgullo nativo y mística del rock latino. —ISABELA RAYGOZA

Sabes que eres un líder exitoso cuando tu propio nombre es tan reconocido mundialmente como el de tu banda, sin haber salido nunca al ruedo por tu cuenta. Por otra parte, cuando puedes cantar, tocar la guitarra principal y hasta la batería, ¿quién tiene tiempo para un esfuerzo en solitario? Desde sus comienzos en Nirvana hasta Foo Fighters, Grohl ha demostrado continuamente ser un camaleón en el escenario. ¿Pero quizás aún más notable? Ha mantenido su título del chico más agradable en el rock a lo largo de los años. —LYNDSEY HAVENS

Un desastre en la escalera del éxito, los ‘Mats manifestaron, con gran riesgo, la idea de que el rock ‘n’ roll estaba destinado a ser rebelde. Y Westerberg, un sabelotodo carismático, personificó la ambivalencia a menudo arrogante de la banda sobre el éxito mainstream, aun cuando lo alcanzaba con composiciones empáticas, desgarradoras y autocríticas que se volvían más brillantes con cada álbum. The Replacements están muertos, pero sobreviven, en parte debido a sus embriagadoras gracias en vivo, pero principalmente porque gemas de Westerberg como “Unsatisfied”, “Bastards of Young”, “Sadly Beautiful” y “Can’t Hardly Wait” todavía despiertan pasiones y derriten corazones. —FRANK DIGIACOMO

Una de los vocalistas más características del punk, Poly Styrene arremetió contra el consumismo, la misoginia y la artificialidad con una voz que podía pasar de un aullido penetrante a un rugido que vibraba rápidamente. Con frenillos en los dientes y un desdén por quienes pensaban que las mujeres en las bandas deberían ser objetos sexuales, Styrene dirigió a X-Ray Spex a lo largo de una breve carrera (solo un álbum, Germfree Adolescents, y cinco sencillos a fines de los años 70) que, sin embargo, resultó indispensable para las futuras generaciones de punks y riot grrrls. —JOE LYNCH

Cuando Living Color se abrió paso con su debut de 1988, Vivid, y el exitoso sencillo “Cult of Personality”, todos los ojos y oídos se posaron sobre Glover. Entre sus largas trenzas, coloridos atuendos y una voz tan amenazadora como fluida, Glover era una nueva fuerza a tener en cuenta, especialmente junto con el guitarrista Vernon Reid. Aunque Glover y su grupo ganaron premios Grammy consecutivos a la mejor interpretación de hard rock, siguen siendo una de las bandas de rock más subestimadas de todos los tiempos, con uno de los líderes más convincentes. —MELINDA NEWMAN

Estéticamente, Garcia pasó la mayor parte de su carrera como un anti-líder, cambiando el colorido atuendo psicodélico y el intrincado traje Nudie que usó en los primeros años de Dead por camisetas sencillas y una presencia estoica en el escenario. Pero lo que a Garcia le faltaba como un líder con el fervor tradicional, lo compensó como el motor creativo y espiritual de The Dead, liderando no solo a la banda sino atrayendo a los fanáticos con un magnetismo inefable que persistió mucho después de su muerte en 1995. —E.R.B.

Courtney Love, que nunca se sintió del todo a gusto ni en como riot grrrl ni en el grunge, convirtió a Hole en una de las bandas de rock más esenciales de cualquier subgénero a mediados de los 90, con su voz irritable y relajante, sus letras desgarradoras y una presencia pública por momentos disruptiva. Y cuando el top 40 recuperó el control a fines de la década, lo llenó de glamour y se encontró tan a gusto en TRL como en Buzz Bin, logrando la iconicidad pop sin perder nada de su potencia artística. —ANDREW UNTERBERGER

Algunos de los momentos más memorables de System of a Down existen debido a la intensidad gutural de Serj Tankian: sus gritos de “WAKE UP!” en “Chop Suey!”, el coro desesperado de “Toxicity”, el contundente movimiento final de “B.Y.O.B.”, por nombrar algunos, pero esas interpretaciones fueron muy efectivas porque Tankian retrocedía con la misma frecuencia a la la suavidad de las melodías frágiles. La tensión entre los lados suave y furioso cristalizó el comentario político y social de System of a Down, mientras Tankian arrullaba a los fans antes de despertarlos a las realidades inaceptables que los rodeaban. —JASON LIPSHUTZ

Sin duda, Gallagher estaba siendo al menos un poco descarado cuando declaró “esta noche soy una estrella del rock and roll” en la canción de apertura del debut de Oasis de 1994, Definitely Maybe. Sin embargo, la declaración fue precisa y no solo para una noche, sino toda la década de los 90, con la entrega de Gallagher definiendo la década. Su arrogancia dentro y fuera del escenario también lo convirtió en el espíritu animal de facto del britpop. —KATIE BAIN

Hay pocas cosas en este mundo tan cautivadoras como ver a Brittany Howard actuar en vivo. Su notable voz parece emanar desde las plantas de sus pies mientras vocifera algunas de las letras más tiernas, respaldada por el grupo estelar de músicos de Alabama Shakes. La presencia de Howard es tan deslumbrante como su voz, mientras pisotea el escenario y canaliza a los creadores del rock and roll. —TAYLOR MIMS

El estereotipo es que Paul McCartney era el Beatle más pop, mientras que John Lennon era el rocker de la banda. Como la mayoría de los estereotipos, eso no cuenta la historia completa. Paul cantó como solista en muchas baladas, pero también lideró al grupo en grandes temas de rock como “A Hard Day’s Night”, “Helter Skelter” y “Back in the USSR”. Una de las imágenes más perdurables de los primeros años de la banda es la de John y Paul, con las caras juntas, compartiendo un solo micrófono mientras cantaban. Esa es solo una de las cien cosas en las que los Beatles fueron pioneros. —PAUL GREIN 

Iggy Pop llevó las excentricidades de cantante de rock a la cumbre, haciendo todo lo que uno pueda imaginar frente a una multitud, desde cortarse la piel hasta exhibir su pene y dejarlo vibrar en un altavoz. Sin embargo, más allá de sus travesuras nihilistas, su voz — resonante y rica en un momento, y animal y chillona al siguiente — y su fraseo distintivo fueron una influencia inconmensurable en el nacimiento del punk. —J. Lynch

Sería certero llamar a Gwen Stefani una estrella pop, pero también sería reductivo. Mientras que otros cantantes de la época fueron pulidos al punto que era difícil identificarse con ellos, Stefani era más una estrella de rock que de alfombra roja. Marchando hacia la conciencia general con el álbum revelación de 1995 de No Doubt, Tragic Kingdom, su presencia eléctrica en el escenario y su entrega vocal elástica fusionaron vulnerabilidad, ira, feminidad, honestidad y vanguardia, lo que, combinado con su icónica estética ska punk de rubia oxigenada, la convirtió en un modelo perdurable para millones de chicas (y chicos) en el mundo. —K.B.

Descaradamente político y profundamente humanitario, Joe Strummer trajo un rango vocal a la música punk con el que pocos podrían competir. Claro, podía cantar burlándose y despotricando sobre todo, desde el imperialismo estadounidense hasta trabajos sin salida y brutalidad policial. Pero también había una exasperación obsesionada en su interpretación que era tan expresiva como Roy Orbison, al menos, hasta que The Clash pasó a una canción que requería que la rompiera en el escenario como Jerry Lee Lewis o Jimi Hendrix. —J. Lynch

Desde el rostro gloriosamente impredecible y con cabello encrespado del movimiento psicodélico de San Francisco a finales de los 60 con Jefferson Airplane hasta una maniquí con traje de pantalón en el video musical de finales de los 80 para el clásico del pop “Nothing’s Gonna Stop Us Now” con Starship, Grace Slick usó su dinámica voz y sus ojos salvajes para crear una presencia escénica cautivadora de la que era imposible apartar la vista, a través de géneros y generaciones. —KATIE ATKINSON

El factor X que llevó a Linkin Park de ser una muy buena banda de nu-metal a verdaderos revolucionarios fue Chester Bennington, quien se convirtió en una de las estrellas de rock más grandes del siglo XXI al exorcizar sus demonios con una ferocidad ensordecedora y una ternura que desarma. Siempre accesible y simpático incluso cuando parecía sobrehumano en su actuación, Bennington le aportó una gravedad innegable a crossovers del pop como “In the End” y “What I’ve Done”, y fue capaz de defenderse en un sencillo exitoso junto al gran Jay-Z. —A.U.

Gustavo Cerati, el difunto y legendario gran líder de la banda argentina Soda Stereo, surgió en los años 80 como una figura trascendente cuya presencia en el escenario era una sinfonía de encanto místico. Con una voz etérea que bailaba entre la inquietante vulnerabilidad (“Té para 3”) y la altísima intensidad (“Persiana americana”), Cerati conjuró un emotivo paisaje sonoro que envolvió al público en un abrazo fascinante. Un virtuoso de la guitarra, sus dedos se deslizaban sin esfuerzo sobre las cuerdas, poseyendo la habilidad de tocar simultáneamente nuestras fibras más sensibles. Sus composiciones y maestría escénica que desafiaron géneros, junto con letras evocadoras que encendieron una profunda introspección, quedarán grabados para siempre en la historia del rock latino. —I.R.

Como ancestro del metal, Ozzy Osbourne inspiró a innumerables vocalistas, muchos de los cuales, sin duda, son mucho más competentes técnicamente. Pero el tono distintivo y la entrega melodramática del Príncipe de las Tinieblas — por momentos temeroso y traumatizado, y por momentos diabólico y amenazante — cambió la forma en que la gente pensaba sobre lo que debería hacer un cantante. Tal vez el cantante principal de una banda no estaba allí para seducirte, sino para asustarte. —J. Lynch

Convertirse en una de las primeras cantantes de punk rock famosas en declararse transgénero en 2012 requirió un asombroso nivel de valentía por parte de Laura Jane Grace, pero la líder de Against Me! siempre había exhibido un alto grado de coraje a lo largo de su carrera, ya sea liderando innumerables mosh pits o insistiendo en su identidad en la composición de sus canciones. El primer álbum de la banda después de que Grace salió del clóset, Transgender Dysphoria Blues de 2014, se erige como una pieza indispensable de la historia del rock y demostró que Grace no perdería ni un gramo de su gruñido mientras decía su verdad. —J. Lipshutz

A finales de los 70 y principios de los 80 muchas bandas tenían riffs y melodrama de sobra, pero solo una de ellas tenía a Steve Perry. Equipado con la rara voz masculina de rock que podía escalar octavas sin perder potencia, dureza o claridad, y el carácter suficiente para seguir siendo inconfundible en sus registros más bajos, Perry fue el arma que permitió que Journey se destacara del resto y trascendiera las décadas, con éxitos emblemáticos como “Don’t Stop Believin’” y “Separate Ways” aún como elementos básicos de la cultura pop y el karaoke. (La mejor de las suertes si intentas cantarlas). —A.U.

Con una voz inconfundible e imposiblemente altísima solo comparable con las guitarras aullantes de Heart, Ann Wilson se abrió camino en el club de los chicos del rock ‘n’ roll en la década de 1970, asistida por las armonías perfectas de su hermana Nancy, guitarrista y también vocalista de Heart. Luego, en los años 80, la banda encontró una segunda vida, con Ann llevando su poderosa voz de rock a la cima del Hot 100 (dos veces) a través de innegables baladas pop impulsadas por esa voz aguda singular. Cincuenta años después, la cautivadora voz de Wilson sigue acaparando la atención y generando respeto. —K.A.

En parte líder (aunque él rechazaría ese título), en parte frijol humano saltarín, Anthony Kiedis es uno de los artistas más cautivadores de la música. Convierte cada presentación — sin importar si la banda encabeza un festival o toca en un club más pequeño — en un espectáculo de alta energía que prioriza igualmente la música en vivo y el ejercicio físico, lo que hace que sea imposible no cantar y moverse con él mientras escupe y grita himnos acumulados a través de casi cuatro décadas de éxitos de la banda. —L.H.

En la década de 1960, la mayoría de la gente probablemente pasaba junto al discreto Lou Reed sin siquiera notarlo, y mucho menos darse cuenta de que se habían topado con el padrino de la música punk. Como líder de The Velvet Underground, su presencia sin pretensiones entregó parte del rock and roll más poético de la década, cantado con su estilo inexpresivo. Reed, con su mata de cabello rizado, parecía un hombre común que logró capturar los problemas de finales de los 60 en sus letras, antes de introducir tanto la angustia sin gloria de la década de 1970 y un género que ayudó a la gente a expresarla. —T.M.

¿Tiene Thom Yorke el falsete más bonito de la música moderna? A pesar de todos sus muchos atributos como un grande del rock de todos los tiempos (el tesoro de canciones poderosas, álbumes clásicos, pasajes líricos bien pensados ​​y experimentos atinados), ese registro superior inquietante y delicado será para siempre una tarjeta de presentación, desplegada con experticia en los temas emblemáticos de Radiohead (“Idioteque”, “High and Dry”) y otros favoritos de épocas posteriores (“Nude”, “Lotus Flower”) por igual. Dentro de un rango vocal amplio, Yorke siempre ha sido capaz de alcanzar notas tan bonitas que te harán llorar. —J. Lipshutz

Como líder de Big Brother & The Holding Company, Janis Joplin ayudó a definir una generación de rock ‘n’ roll psicodélico con su entrega de blues y sus convulsos movimientos escénicos. Por supuesto, debajo de la superficie de sus interpretaciones emotivas y sus decisiones vocales inimitables había demonios que eventualmente la alcanzarían, ya que Joplin murió de una sobredosis de heroína en 1970. Eso significa que el mundo solo tuvo tres años con la leyenda de cuando Big Brother estalló en el Monterey Pop Festival de 1967 hasta su trágica muerte a los 27 años. Imagina el impacto que pudo haber tenido con más tiempo. —K.A.